在我们这个社会说改革与创新无疑是时髦，那代表着思想的先进与进步。要是说谁反对改革与创新，那基本上就代表着思想的封建、保守、落后，甚至反动。但是笔者听说，在英国等西方国家保守是个褒义词，至少是中性词。英国的第一大党就叫保守党。社会有创新能力，人有创新能力当然是好事。但是作为越剧来说，笔者认为用“创新”来要求艺术创作是不恰当的。印象中越剧要创新这个观点是周恩来提出。好像说越剧都是女子演的，太软太柔，要创新要引进男演员等等。确实现在的越剧很娘、很软，但是老辈演员的越剧却是硬朗的，且硬朗中带着优美。周恩来总理这样说的原因，应该是跟北方的京剧、秦腔等相比了。

　　为落实周总理的指导，上越成立了实验越剧团并开始引进男演员，尝试男女合演。但是男演员的整体表现不尽如人意。在目前男演员中史济华、赵志刚还比较有名气。赵的嗓音条件不错，扮相也可以。据说上海观众很喜欢他，但是笔者个人始终认为他的唱腔太过软腻，显得波澜不惊，缺乏应有的起伏与变化，像枯井里的一潭死水令人难言喜欢。他在浙江这边受欢迎程度肯定要低很多。现在转行拍电影的余少群，土豆上有他唱越剧的视频。也是柔软有余，阳刚不足。刘觉扮相太武，又加一副苦瓜脸。缺少书生的儒雅与书倦味。还有史济华、张国华等声音、外表又太粗犷。扮武将、农民或许不错，扮风流倜傥的书生显然就不合适。男演员也许就是适合一些现代戏，古装戏里远不如女小生来得出彩这已是共识。徐玉兰的张生比刘觉的风流倜傥得多，这是公认的事实。所以笔者认为，越剧专走女演员之路，还是男女合演都是形式，其实是伪命题，不必过份注重。重要的是演员自身的天赋与努力。只要个人有条件有天赋，又足够热爱越剧表演。就不必拘泥于他的性别，男女都欢迎。一般来说越剧更适合女生唱，至于男生适合不适合只能看个人。有适合唱越剧的男生，当然畅开怀抱欢迎他来到这个行业。但是业界不必为了打破女子独撑舞台的情况，而刻意的招收男演员！

　　说回到创新，这个词用在越剧上到底有没有问题。我们首先来理解清楚何谓“创新”。 “创新”顾名思义就是创造新东西。用在艺术创作上，创新显然更容易被理解成表现形式上的不断创造，而不是内容上的创作。可是艺术的活力应是内容上源源不断的的创作，而不是表现形式上的不断创新。越剧的表现形式其实已经相对成熟、固定，任何艺术门类的表现形式的创新空间是始终有限的。只有内容的创作才有广阔的前景！电视、电影的活力在不断创作出好的作品，不是在表现形式上不断搞什么创新与花样！同样，舞蹈歌曲之类的艺术，莫不如此。他们的生命力与活力都在不断推出好作品，而不是表现形式上的不断创新。越剧要保持活力，要有能力不断推出好作品、好人才、好听的唱腔，而不是形式上的不断创新！如果业界能有表现形式的创新当然也欢迎，但是可遇不可求。只能随着社会发展进步，在自然而然中的创新。不能过于强调，在兹念兹的为创新而创新。像现在的越剧舞台不断增大，灯光、布景、道具不断引入高科技，使整个舞台越来越美仑美奂，就是社会进步后的自然结果。如果社会科技没有进步到这种程度，业界再怎么讲创新，也创新不了！

　　中国的戏曲经过几百年的发展，其表现形式已经基本成熟完整。如是还要求从业者不断创新，只能将业界带向迷茫与混乱。会因此产生许多混乱的认知：一，会让业界误以为已有的表现形式已经落后，所以理论界才这么强调越剧要“创新”!　二，会让从业者把当下观众不断流失的原因，往表现越剧形式已经落后的认知上误导。而不是反思自身诸如基本功不足、表演水平不足的问题！三，既然现在的表现形式已经落后，那怎样唱越剧才不落后？才能让观众回来？出路在哪里？从业者会因此产生很多的迷茫与混乱！

　　相反，如果理论界不是整天提倡越剧要创新，而是强调越剧要不断创作，问题就简单而明确。观众不断流失，当然是业界自己没有把作品创作好、表演好造成的。是自身出了问题而不是观众出了问题。需要反思改进的是自己，而不是在表现形式上不断下刀子。主动的会去思考，是不是演员自身唱功不足，表演水平不足才造成观众不断流失？是不是编剧没有把剧情编排好，导致吸引不了观众？是不是音舞美及唱词的编撰与唱腔设计不好，不足以表达故事与情感变化，使观众不爱看？诸如此类等等。解决的出路自然就是编、导、演、音、舞、美，在各自的范围内不断提高自己，以吸引观众，让观众重新走进戏院。这才是越剧的出路之所在，不是吗？不断提高唱念做打表的能力，不断创作出好作品，才是越剧的出路，难道不是吗？

　　笔者认为，目前理论界越剧要不断“创新”的指导思想，是十分错误的。它已经不断把越剧带向歧路，而且正在带向灭亡。它使整个业界对自身的前途与越剧的出路，显得一片迷茫与十分混乱！因为提倡创新，而产生种种问题是显而易见的。现在的从业者，几乎人人都在念叨越剧要创新。可又人人都不知道怎么创新，才能重新吸引观众！骑驴找马，显得一片混沌与迷茫。从太多的访谈节目中可以看出，很多人尤其年轻演员对越剧的未来，非常的不确定，对自身的前途充满迷茫与困惑！

　　如前所言，越剧的衰落原因很多很复杂，需要检讨的地方有很多。在太多太多致越剧走向衰落的各种因素中，指导思想的错误，却是关键中的关键，重点中的重点！越剧要不断创新和流派要传承的两大错误观点，才是最最需要检讨的内容。这才是越剧不断变得衰落的核心原因。笔者认为就是这些错误的指导思想，使得越剧最近几十年，一直走在错误的发展道路上。先有思想才有行动，先有意识才有动作。思维有了，行动自然就有。指导思想的错误，造成认识上的混乱，和对越剧造成的伤害比任何具体的诸如基本功不足，表演能力不足等等问题都更加严重。基本功不足，最多是个人问题。而指导思想的错误，却是系统性的伤害。它影响的是整体大环境，使从业者出现整体性的认知偏差，才是致命性的！

　　对于越剧表演应该提倡创新还是创作，笔者对创新的理解到底对不对，可以在现实中找到很多的印证。

　　茅威涛无疑是越剧中生代中的优秀代表，几十年来，她一直孜孜不倦的活跃在这个舞台。在好多人出国、留学、嫁大款、转行、唱歌、拍电视、拍电影，弃越剧而去的时候。她一直忠诚坚守着这个阵地，令人敬重！为了越剧的兴旺与发展，她也作了很多创新上的努力。新《梁祝》、《江南好人》等等都是她在创新上努力探索的成果。在新《梁祝》大胆引进了伴 舞，《江南好人》在表现形式上变化得更大。茅威涛挚爱越剧的探索精神值得肯定，但是这种创新应该是失败的。不少真正喜欢越剧的观众，并不认可这种“创新”。特别是《江南好人》都说走得太远，在本地的演出，最后戏没有演完观众都走掉了。这台戏从头到尾，从演员的打扮举手投足都不像越剧。

　　新《梁祝》在形式上的最大变化，是去掉手袖，加强扇子的运用。在这台戏上扇子的使用贯穿了整个剧情，不但“草桥结拜”，“三年同窗”，“楼台会”，“山泊临终”，扇子都是其中的主角。在整场戏中，两位主演动不动拿把扇子摆在正胸前。表情庄严而肃穆，俨然让人觉得他捧着的是一炷已经被点燃的香烛，而不是一把扇子。甚至梁、祝两人一起读书，竟然也是对着一把扇子而不是一本书！导演如此突出扇子的运用，让人匪夷所思。整个演出中，这把扇子不断在观众眼前晃来晃去。不但影响了观众对剧情与唱段的欣赏与聆听，实在也影响了演员对角色的塑造与情感的表达。这里的扇子更像舞蹈上，具有高度象征意义的载体，而不再是戏曲中的一个普通道具。扇子与水袖本身都是越剧中极其普通的道具，新《梁祝》中抛弃了水袖，却把扇子提高到一个无以复加的程度。让人恍惚以为这把扇子，好像这把扇子才是这出戏的灵魂。是梁祝至高无上的虔诚信仰的载体，而梁山泊与祝英台反过来才是这把扇子的陪衬。看着整台戏，让人有哭笑不得之感。相信这是导演所认为的创意与创新，跟演员不一定有关。但是这样的创新，无法让真正喜欢越剧的观众喜欢。这样的创新安排，从营销卖点的构造上或许是成功的。但从越剧表演来说，充其量就是哗众取宠的噱头而已，对剧情的表达其实适得其反。利用道具是为了表达剧情、塑造角色、传递情感，而不是反过来让整台戏围绕着一个小小的道具旋转！新《梁祝》中的“思祝下山”的设计与唱词的创作，笔者认为其实不错，颇具文学诗赋之美，内容安排上也有耳目一新之感。可惜整剧诸如此类在内容上的实质创作太少。

　　新《梁祝》动辄一群人挥舞着扇子翩翩起舞，伴舞的方式，更像晚会上的歌伴舞表演。《江南好人》看上去完全不像越剧，更像西方的歌剧或者话剧。 南京越剧团近年的几出戏，同样也是追求表现形式的创新。舞台变得非常的华美，实质的表演内涵上却乏善可陈。上越同样也如此，新《红楼梦》、《蝴蝶梦》、最近的《舞台姐妹》。这些戏都有把越剧往音乐剧、歌剧、舞蹈剧、话剧方向引导的明显意图。新版《红楼梦》舞台上的场面很大，布景很华美，服装很华丽。但在表演上、剧情编排、唱词、唱腔设计等等这些实质内容的创作上，却完全承袭老版旧红楼。可是演员的表演能力与唱功，跟徐玉兰王文娟还有周宝奎徐少红等前辈大师，又完全不可相提并论。这样的戏可以演三五场，让喜欢越剧的观众图一时新鲜过过眼瘾。但绝无可能连演几十场上百场，成为年轻观众心目中的经典!

　　从这几个大剧团的表现我们完全可以看出，提倡创新还是创作对从业者的影响是完全不同的。几个大剧团的重心明显都放在表现形式的创新，而不是实质内容的创作与突破。这如果不是被“越剧要不断创新”的观念误导了，还是什么？如果不是越剧要不断创新的发展观念，让业界普遍形成越剧固有的表现形式已经落后，才不被年轻人喜欢的认知与思路。他们何至于对越剧的基本语言，基本表现形式，纷纷的进行如此多的改变与迎合？业界何至于这么普遍的，不约而同的在表现形式上下手，作为突破口去吸引观众？

　　说起来越剧的观众应该远超过话剧的观众，可是业界的所谓改革创新，竟然不断把越剧话剧化！事实上，随着网络及手机的兴起，现在年轻人连电视剧都越来越少看了。可是电视界有因此在电视剧中，无谓的引入歌舞表演来吸引年轻观众的做法吗？戏曲就是戏曲，歌舞就是歌舞，电视剧就是电视剧，互相之间的区别本身是非常明显的。现在业界竟然不断的抛弃戏曲的艺术特点，把越剧不断往歌舞、歌剧、电视剧上靠拢。浙百、上越、南越应该可以代表当下越剧界的顶尖剧团了，当然还包括福建芳华。他们的思路与方向，就代表了当下越剧界对越剧的理解与认知 。一般观众对越剧的认识与印象，看的也就是这些顶尖剧团的表现。台步、身段、水袖、 唱、作、念、表、戏服、扇子、靴子等等，本身就是戏曲区别与其它艺术门类的特征。不说他的表演形式是不是真的落后了，单从保持自身特色才是艺术的生命力而言。业界不断抛弃自身的艺术特点，把越剧改得四不像，也是非常不可取的。不但吸引不了几个新观众，更会失去老观众！现在的歌曲都不断加上表演的内容，特别歌星演唱会上，有很多表演的成份。说明相比于单纯的唱，带有表演性质的演唱更吸引人！音乐界同样也有以唱为主要表达方式，带有故事情节的音乐剧表演。说明以唱为主的表达方式，有其特殊的艺术魅力。越剧能不能吸引观众，本身不但要求唱得好，更有表演得好不好的要求。现在从业者不从自身唱功不足、表演水平不足方向反思与提高。却把越剧往表演内涵更少的歌剧、音乐剧、舞蹈方向引导。只说明他们对越剧的发展思路，被“越剧要不断创新”的错误观点带歪了！

　　文艺界有句话叫“戏不够，舞来凑”。这话意思很明显，只有歌手实力不足时，导演才会派上一群人载歌载舞的凑气场。春晚上只有新人才有伴舞，真正大牌有实力的歌手，从来都是一人安静的独唱，舞台上干干净净的! 王菲的演唱会从来就没有伴舞，自己也很少跳，从来也不请嘉宾。就一个人，仅仅靠唱的功力，撑起一个晚上几个小时的演出气场！宗师时代的越剧能被观众喜爱，也是因为前辈深厚的唱功与表演能力，而不是其它花俏的内容。舞台上出现这么多的伴舞，其实是影响演员的情感与情绪表达的。连大牌歌手都不喜欢太多的伴舞，何况本身完全就是塑造人物的戏曲表演！现在越剧舞台上搞这么多新花样，说好听点是创新。说不好听点就是从业者对自己的唱腔与表演没有自信了，才黔驴技穷的要搞这么多华而不实的噱头来吸引观众！既然对自身的唱腔与表演能力不够自信，那解决问题的出路，应该想尽办法提高唱功，提高表演能力才对。而不是搞表演形式上所谓的创新！但是业界并没有这样，还动辄说要与时俱进的创新。那显然他们是认为越剧衰落的原因出在表现形式落后了，而他们自身的唱功与表演能力是没有什么问题的，甚至已经很好了。据笔者了解，业界基本上是认为自己已经做得很好，没有什么问题与不足的。一切的衰落都是越剧表现形式落后了，是电视电影兴起之过。所以他们的努力方向一直在表现形式上不断的创新，在舞台、灯光、音响、道具、服装、水袖动作上努力！把越剧不断向电影、电视、歌舞、晚会靠拢。为了让越剧重新兴旺，业界其实真的很努力。他们很希望通过自身的努力，让越剧重新得到观众的喜欢。但是在错误的指导思想指引下，他们的努力注定不会有好的结果。方向错了，路只能越走越叉，目标只能离得越来越远！

　　过度追求表现形式创新。还有一个严重后果就排戏成本不断提高，票价也只能不断提高，这在前面已经提及了，这里就不再赘述。宗师时代的越剧，到现在其实已经面目全非。现在所谓的创新，就是全部在表现形式上动脑筋。布景晚会化，舞台综艺化，水袖动作舞蹈化、杂技化，台步随意化，唱腔歌曲化，剧情影视化。真正属于内容上的创新，本身需要不断推陈出新的唱法唱腔，却一直死守着流派宗师的固有唱法。

　　为了避免业界产生认识与理解上的混乱，所以，本人认为再不能用“创新”来表达对越剧发展的要求了。如果实在要用创新词语的话，那也应该是唱腔和流派上的不断推陈出新。而不是基本语言、基本表现形式上的“创新”！这才是一条有无限可能与广阔空间的出路，不是吗？理论上它可以让每个演员都有成功的可能与希望！可以促使每个有抱负、有理想、有追求的演员，都能抱着极大的希望与梦想去唱戏。打开前辈流派的束缚，沉下心来，付出足够的刻苦与努力，加上一点先天的禀赋与悟性，理论上每个人都有成功的可能，不是吗？而现在“创新”的口号，只会让演员越来越找不到方向，越变越浮躁，越来越迷茫！

　　既然目前形式上的创新努力，没有取得良好效果，没能将越剧重新带向繁荣。那业界是不是应该思考一下，这个指导思想到底起了正作用还是负作用？有没有必要继续坚持下去？作为观众，笔者要说的是，如果业界再像现在这样，一边固守着仅有的十大流派，把流派模仿奉为不可逾越的圭臬。一边却在越剧的基本语言，基本表现形式上不断动脑筋，进行所谓的创新！不断把越剧弄得越剧不像越剧，歌剧不像歌剧，话剧不像话剧，舞蹈又不像舞蹈。不但吸引不了多少年轻观众，越剧迟早也会被业界自身的行为所消亡！

      作者：苗竹

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